Durante la Semana de la Moda de Milán, la reconocida marca Diesel presentó su desfile Otoño/Invierno 2026 con un enfoque innovador. En esta ocasión, la pasarela se transformó en un escenario único que incorporó más de 50.000 accesorios reutilizados, inflables y recuerdos históricos de la marca fundada en 1978. En lugar de seguir el formato tradicional, el espacio se convirtió en una amplia sala abierta donde se dispusieron diversos objetos, desde figuras de juguete hasta coches y carteles, bajo intensas luces blancas. Esta instalación visual funcionaba como un archivo que contaba la historia de Diesel mientras los modelos desfilaban entre los objetos. El director creativo Glenn Martens buscaba crear un entorno inmersivo que combinara diseño, memoria y reutilización. Mediante la incorporación de antiguos accesorios, juguetes y elementos cotidianos de la marca, Diesel logró transformar el espacio en un paisaje de recuerdos que reflejaban su cultura e identidad. La disposición aleatoria de los objetos generaba una sensación de descubrimiento, invitando a los espectadores a conectar sus propios recuerdos con la ecléctica exhibición. Más que un simple espectáculo, esta instalación resaltó el compromiso de Diesel con el upcycling y la creatividad sostenible al dar nueva vida a elementos olvidados en proyectos anteriores. El diseño visual del desfile reflejaba la idea de despertar en un lugar desconocido después de una noche salvaje, capturando el enfoque lúdico y el estilo irreverente característicos de Diesel. Glenn Martens expresó: “Esta colección trata sobre despertarse en un lugar sin tener ni idea de lo que pasó la noche anterior, y ser la persona más gloriosa del mundo. Son prendas únicas para una vida exitosa, la esencia de Diesel”. Aquí puedes ver un video del desfile para sumergirte en esta experiencia artística única. Fuente: Publimetro
Punch, el pequeño macaco japonés que no se separa de su “mamá” de peluche, se convirtió en tendencia mundial tras la difusión de un video en el que aparece siendo arrastrado por un mono adulto. El caso, que ya había conmovido al público por su historia de abandono, generó una ola de indignación en redes sociales. Sin embargo, el Zoológico de Ichikawa emitió un comunicado oficial para explicar lo ocurrido y pedir que no se malinterprete el proceso de integración del animal. Punch nació en julio pasado en el zoológico de la ciudad de Ichikawa, en la periferia de Tokio, pero fue rechazado por su madre poco después de nacer. Desde entonces, el equipo del parque asumió su crianza y le proporcionó un peluche de orangután naranja que adoptó como figura de apego. Aunque suele verse aferrado a este juguete, el zoológico ha reiterado que no está aislado y que convive con una tropa de 56 macacos japoneses mientras aprende a socializar. La polémica reciente surgió por un video grabado la mañana del 19 de febrero, durante la hora de alimentación. En las imágenes, Punch intenta acercarse a otro mono bebé para interactuar, pero es evitado. Minutos después, un mono adulto lo regaña y lo arrastra, escena que muchos interpretaron como una agresión. En su comunicado del 20 de febrero, el zoológico explicó que el ejemplar adulto que intervino sería la madre del mono con el que Punch intentó comunicarse. Según detallaron, la hembra probablemente percibió que su cría estaba incómoda y reaccionó para reprender a Punch, en un comportamiento que describen como parte normal de la dinámica social de la especie. “ Punch ha sido regañado por otros monos muchas veces en el pasado ”, señalaron, aunque enfatizaron que ningún miembro de la tropa ha mostrado una agresión seria hacia él. Tras el incidente, Punch corrió a refugiarse con su peluche, pero más tarde lo dejó y volvió a interactuar con el grupo con normalidad. Los cuidadores reconocen que este tipo de episodios eran esperables en el proceso de integración, pero destacan la resiliencia del pequeño macaco. “Más que sentir lástima, queremos que apoyen su esfuerzo”, indicaron.
Las parejas amorosas tienen distintas formas de relacionarse y, constantemente, buscan nuevas técnicas y experiencias para satisfacer sus necesidades. En ese sentido, hay una práctica sexual que cada vez se ha vuelto más común entre parejas: el cucklod. Dicha práctica ocurre cuando una de las partes de la pareja disfruta ver a la otra manteniendo relaciones sexuales con otra persona. Una infidelidad consentida Milagros Burgos, psicóloga y sexóloga, a través de su cuenta de Instagram explicó que el fenómeno cada vez se ha vuelto más frecuente entre parejas. “ Es una práctica consensuada dentro de algunas parejas donde una persona siente excitación al ver o saber que su pareja tiene sexo con otra persona”, definió la experta. En esa misma línea, la especialista detalló que “a veces incluye componentes de voyeurismo, humillación erótica o poder, siempre consensuado”. Por otro lado, la experta definió el término “ bvll ”, el cual es corresponde a “la persona externa que tiene relaciones con uno/a de los miembros de la pareja. Suele ocupar un rol de dominancia simbólica dentro del juego”. Eso sí, la especialista advirtió que “estas dinámicas solo son sanas cuando hay consentimiento explícito de todas las partes, límites claros, comunicación previa, cuidado y responsabilidad”, cerró.
La perra que se llevó el galardón más codiciado del Westminster Kennel Club Dog Show fue Penny, una dóberman pinscher que brilló en la 150ma edición del evento, llevándose el premio al mejor del espectáculo el pasado martes. Con esta victoria, su manejador, Andy Linton, suma otra estrella a su carrera, después de haber ganado en 1989 con otro dóberman llamado Indy. Penny ha sido descrita por Linton como la mejor dóberman que jamás he visto, y a pesar de haber enfrentado problemas de salud, logró una actuación impecable en el ring. Tenía algunos objetivos, y este era uno de ellos, comentó Linton, quien expresó que ganar en este histórico evento es extraespecial a medida que se acerca al final de su carrera. El subcampeón de la noche fue un Chesapeake Bay retriever llamado Cota, quien recibió cálidos aplausos del público. Aunque los dóberman han sido galardonados cinco veces en la historia del Westminster, ningún retriever ha alcanzado la victoria, lo que convirtió el momento en uno memorable para los seguidores de Cota. Otros perros que alcanzaron la final incluyeron a una galgo afgano llamada Zaida, un lhasa apso llamado JJ, un maltés llamado Cookie, un viejo pastor inglés apodado Graham y un terrier fox de pelo liso llamado Wager. El juez, David Fitzpatrick, quien ha sido ganador del Westminster en dos ocasiones, calificó a la alineación de finalistas como una que pasará a la historia. En el evento, cada perro es evaluado en función de su conformidad al estándar de su raza. El ganador no solo recibe un trofeo y cintas, sino también el honor de ser el mejor del espectáculo. Penny, quien fue un favorito del público en el show de 2025, ha impresionado en los circuitos de exhibición desde entonces. La multitud de aficionados animó tanto a ella como a Linton durante las rondas preliminares del evento. Al final de la competencia, Penny mostró su carácter amistoso al empujar su nariz contra la pierna de un visitante en busca de caricias. Linton comentó que generalmente es muy tranquila, aunque puede volverse bastante entusiasta en ciertas situaciones. Su copropietario, Greg Chan, de Toronto, destacó que Penny es muy exigente e inteligente, pero también complaciente, dispuesta a hacer cualquier cosa por un premio comestible. Penny se alzó con la victoria entre 2.500 perros de más de 200 razas que participaron en el concurso. A pesar de que muchos no llegaron a la final, varios lograron robarse el show con momentos memorables. Un Xoloitzcuintli llamado Calaco, un perro sin pelo, impresionó al público, mientras que un vizsla llamado Beamer encantó a la audiencia saltando en una caja. El entusiasmo fue tal que un golden retriever llamado Oliver logró ahogar al anunciador con los vítores del público. Una perra que hizo historia en las semifinales fue Millie, una danés-sueco que recién se volvió elegible para competir en el Westminster este año. Millie superó a otros perros de su raza para llegar a la ronda final. Las victorias en Westminster suelen ir a perros con manejadores profesionales o propietarios con décadas de experiencia. Sin embargo, llegar a este exclusivo concurso es un gran logro para los debutantes, como Joseph Carrero, quien mostró su mastín napolitano, Dezi, en el evento. El martes, Carrero, operador de maquinaria pesada de Indian Springs, Nevada, comenzó a mostrar a Dezi, quien pesa 190 libras. Aunque el perro no avanzó más allá de la primera ronda, Carrero expresó que realmente es difícil para nosotros hacer esto, pero lo disfrutamos, y él lo disfruta. Finalmente, Ridenhour, quien competía con un Boerboel llamado Invictus, expresó su satisfacción al ver cómo el público se acercaba a acariciar a su perro, subrayando que, aunque no avanzaron, el amor y la atención que recibió su perro fueron la verdadera victoria. Esta historia fue traducida del inglés por un editor de AP con ayuda de una herramienta de inteligencia artificial generativa.
Habiendo enfrentado previamente temas clave de britpop, rock, northern soul y más entre sí, Steve Lamacq celebró algunos de los favoritos de la época disco de los años 70 en un enfrentamiento en la pista de baile en septiembre de 2017. Para hacer girar la bola de purpurina, el experto en música disco, el profesor Tim Lawrence, de la Universidad de East London y autor del libro sobre la historia de la música dance Love Saves the Day, nos ayudó a explorar seis formas en las que el género cambió el mundo. 1. Salvó el baile. Tim Lawrence afirma: La música disco fue uno de los movimientos culturales y musicales más influyentes de la década de 1970. Fue la plataforma a través de la cual el baile social volvió a ser un fenómeno popular tras su desaparición a finales de la década de 1960. La música disco repopularizó el baile como actividad social a nivel internacional, pero también fue responsable de la introducción de un nuevo estilo de baile libre. Antes de la música disco, todas las formas de baile social implicaban a un hombre y una mujer bailando juntos. A menudo, para entrar a los locales, era necesario llevar a alguien del sexo opuesto, e incluso si conseguías entrar sin él, para salir a la pista de baile era necesario estar en pareja. La música disco rompió con esto. Bailar disco fue la primera vez que la gente podía salir a la pista de baile individualmente, lo que permitió una nueva forma de libertad y expresión. Con las parejas bailando, hay que evitar bailar de puntillas o algo similar, para no poder concentrarse en el DJ. Sin embargo, la nueva forma de bailar disco también permitió a la gente experimentar la sensación de formar parte de una multitud por primera vez. Y este colectivo de la pista de baile ejerció un fuerte poder sobre la dirección que tomaba la música a través de sus reacciones. Este cambio tuvo grandes consecuencias no solo en lo que se escuchaba, sino también en cómo interactuaba la gente. 2. Provocó el auge del DJ. Tim Lawrence dice: En 1970, con una semana de diferencia, David Mancuso, en una fiesta privada que pronto se llamaría The Loft, y Francis Grasso, en la discoteca The Sanctuary, comenzaron a desarrollar esta nueva forma de lo que hoy llamamos DJing. Fue la primera vez que los DJs, de forma enfocada y concentrada, seleccionaron música en respuesta al público. Las técnicas de mezcla de DJ y el auge del DJ como una nueva forma de músico comenzaron principalmente en Nueva York en la década de 1970. Por ejemplo, en el Reino Unido, hasta finales de la década, ¡los DJ anunciaban los nombres de las canciones entre cada pista! Los DJ neoyorquinos sabían que los bailarines querían sumergirse en los discos gracias a la nueva forma de bailar con el público. Desarrollaron todas estas técnicas para mejorar esa experiencia. Comenzó con Grasso usando auriculares para escuchar el disco entrante y así poder mezclarlos y mantener un flujo continuo. Los DJ comenzaron entonces a explorar maneras de extender los discos, por ejemplo, comprando dos copias del mismo sencillo y mezclándolas. Diría que, considerando todas las técnicas de DJ que existen hoy en día, el 90 % se desarrolló durante la música disco de los 70. En muchos sentidos, las habilidades de los DJ de música disco superaban las de hoy. No solo creaban sesiones de diez horas con fuertes arcos musicales —viajes realmente inmersivos—, sino que combinaban el contenido lírico con las secciones instrumentales. Es un arte que rara vez escuchamos hoy en día. Los DJs eran los expertos orgánicos de esta cultura. Eran aficionados a la música que querían pinchar discos y apenas se ganaban la vida con ello. Carecían de formación y habilidades musicales convencionales, pero desarrollaron una sensibilidad muy refinada y receptiva a la cultura que contribuyeron a crear. 3. Inspiró la liberación social Tim Lawrence dice: De hecho, hasta 1971, era ilegal en la ciudad de Nueva York que dos hombres bailaran juntos, por lo que la nueva forma de bailar disco en grupo, en lugar de en parejas, tuvo un gran impacto en la escena gay neoyorquina. Sin embargo, la conexión es mucho más profunda. En 1970, en parte como respuesta a la liberación gay que se venía gestando en la década de 1960 y que alcanzó su clímax simbólico en junio de 1969 con la Rebelión de Stonewall, Seymour y Shelly —propietarios de varios locales gay en el West Village de Nueva York— compraron The Sanctuary, una discoteca en decadencia, y la reabrieron como un lugar que acogía a hombres gays. Nunca fue un club exclusivamente gay, pero dejaron claro que eran bienvenidos. Y este nuevo público cambió la dinámica de la pista de baile. De hecho, Francis Grasso [el DJ de The Sanctury] dijo que su nueva técnica de mezcla se inspiró en este nuevo público. La energía era tan alta que empezó a mezclar discos para que no hubiera interrupciones. Así, la música disco, con su libertad, se convirtió en una forma de expresión para la cultura gay. Sin embargo, el público era muy diverso en los primeros años, por lo que muchos otros grupos también encontraron su lugar en la música disco. Afroamericanos, latinoamericanos y mujeres —y una mezcla de todas estas identidades— encontraron una forma de expresarse en la música disco. Fueron las personas que en la vida cotidiana eran marginadas y sufrían discriminación quienes sustentaron la energía de la música disco. Por ejemplo, muchas de las artistas más influyentes fueron mujeres afroamericanas que desarrollaron una relación muy sólida con el público gay. Cantantes como Grace Jones, Gloria Gaynor, Donna Summer… y la lista continúa, tenían letras sobre la supervivencia ante las dificultades y la resiliencia emocional que resultaban profundamente atractivas para el público gay del dance. Así que la música disco es una fuerza verdaderamente liberadora, y yo diría que la reacción contra la música disco a finales de los 70 fue, de hecho, un intento de culpar a los hombres homosexuales, afroamericanos y mujeres por los fracasos de la década. Quienes lideraron esa reacción, aquellos en la cultura dominante, fueron los demócratas que se pasaron a votar por los republicanos y llevaron a Reagan al poder en los 80. 4. Demostró cómo los sellos independientes podían vencer a las grandes discográficas. Tim Lawrence dice: Para 1978, la música disco vendía más que el rock en Estados Unidos, lo cual fue un gran shock para el mundo musical, ya que apoyaba fuertemente el rock. Cuando la música disco se popularizó, no contaba con el respaldo de ninguna de las grandes corporaciones. Al principio, eran los DJ quienes buscaban discos para pinchar. Por lo tanto, los sellos discográficos independientes fueron cruciales para el desarrollo de la música disco. Un sello llamado Sceptre Records fue uno de los primeros en detectar lo que ocurría en las discotecas, por lo que empezó a encargar discos específicamente para el mercado disco. Otro sello independiente, Salsoul, se dio cuenta de que los bailarines querían tener sencillos de 12 pulgadas que grababan para DJs, así que en 1976 fue el primer sello en lanzar uno comercialmente, lo que se convirtió en una base fundamental para la cultura dance en general. Así que la música disco fue un gran momento para demostrar la agilidad de los indies y su capacidad de reaccionar rápidamente a la música callejera. Fue a finales de los 70 que Warners se convirtió en la primera gran disco en abrir un departamento, y eso fue solo unos meses antes de que comenzara la reacción negativa contra la música disco. 5. Inventó el remix Tim Lawrence dice: « Las remezclas no solo surgen de la música disco; también existía una cultura de remezclas en Jamaica», pero las remezclas cobran auge en Nueva York en los años 70, y de nuevo los indies tuvieron una gran influencia. En 1976, Salsoul encargó una remezcla de la canción «Ten Percent» de Double Exposure, lo que marcó un momento explosivo en la creación musical. La diferencia clave fue que invitaron a un DJ, Walter Gibbons, a remezclar el disco para la pista de baile. Esto resultó ser un escándalo y muchos productores se sintieron muy ofendidos. Hasta entonces, habían tenido el control de la creación musical y les molestaba mucho lo que los remezcladores hacían con su trabajo, sobre todo porque eran DJs sin formación en estudio y sin saber tocar instrumentos. Sin embargo, las discográficas comprendieron que los DJs estaban en una posición mucho mejor para hacer remezclas porque estaban en los clubes seleccionando música en respuesta a la energía del público que bailaba y podían ver qué los impulsaba a salir a la pista. Así que el remix, que ahora es omnipresente, cobró protagonismo gracias a la música disco. 6. En realidad sigue cambiando el mundo... Tim Lawrence dice: El problema de la música disco es que se convirtió en un producto deslucido debido a la intensa comercialización a finales de los 70, lo que significó que se asociara con el fracaso y el mal gusto de esa década. Mientras que la música disco y dance de principios de la década era musicalmente variada, innovadora y culturalmente progresista, la cultura dominante copió lo incorrecto. Abrieron muchas discotecas suburbanas y la película Fiebre del sábado noche fue un éxito rotundo, pero esa idea de la música disco no funciona. La música no es tan buena, es un regreso al baile en pareja, las luces intermitentes son exageradas y... y no se puede bailar con un traje de poliéster, diga lo que diga John Travolta. Así que hubo una reacción negativa contra esa versión de la música disco y, por desgracia, eso es lo que la gente recuerda ahora cuando piensa en ella. De hecho, lo mejor de la auténtica cultura disco sobrevive. La música disco contribuyó al desarrollo de la tecnología de sistemas de sonido, mezcladores, altavoces, iluminación... todo el equipo de discoteca, mientras que, en la grabación, impulsó el sintetizador a la vanguardia de la música popular. Así que la música disco sentó las bases de la cultura de la música dance contemporánea. Y una vez que se desató la reacción, la escena disco neoyorquina no perdió el ritmo, resurgió y, en cierto modo, se convirtió en la base de la música house. El house es, en muchos aspectos, una versión electrónica de la música disco auténtica. El nombre disco murió por su sobrecomercialización, pero casi todo lo demás sobrevivió.
Durante la Semana de la Moda de Milán, la reconocida marca Diesel presentó su desfile Otoño/Invierno 2026 con un enfoque innovador. En esta ocasión, la pasarela se transformó en un escenario único que incorporó más de 50.000 accesorios reutilizados, inflables y recuerdos históricos de la marca fundada en 1978. En lugar de seguir el formato tradicional, el espacio se convirtió en una amplia sala abierta donde se dispusieron diversos objetos, desde figuras de juguete hasta coches y carteles, bajo intensas luces blancas. Esta instalación visual funcionaba como un archivo que contaba la historia de Diesel mientras los modelos desfilaban entre los objetos. El director creativo Glenn Martens buscaba crear un entorno inmersivo que combinara diseño, memoria y reutilización. Mediante la incorporación de antiguos accesorios, juguetes y elementos cotidianos de la marca, Diesel logró transformar el espacio en un paisaje de recuerdos que reflejaban su cultura e identidad. La disposición aleatoria de los objetos generaba una sensación de descubrimiento, invitando a los espectadores a conectar sus propios recuerdos con la ecléctica exhibición. Más que un simple espectáculo, esta instalación resaltó el compromiso de Diesel con el upcycling y la creatividad sostenible al dar nueva vida a elementos olvidados en proyectos anteriores. El diseño visual del desfile reflejaba la idea de despertar en un lugar desconocido después de una noche salvaje, capturando el enfoque lúdico y el estilo irreverente característicos de Diesel. Glenn Martens expresó: “Esta colección trata sobre despertarse en un lugar sin tener ni idea de lo que pasó la noche anterior, y ser la persona más gloriosa del mundo. Son prendas únicas para una vida exitosa, la esencia de Diesel”. Aquí puedes ver un video del desfile para sumergirte en esta experiencia artística única. Fuente: Publimetro
Punch, el pequeño macaco japonés que no se separa de su “mamá” de peluche, se convirtió en tendencia mundial tras la difusión de un video en el que aparece siendo arrastrado por un mono adulto. El caso, que ya había conmovido al público por su historia de abandono, generó una ola de indignación en redes sociales. Sin embargo, el Zoológico de Ichikawa emitió un comunicado oficial para explicar lo ocurrido y pedir que no se malinterprete el proceso de integración del animal. Punch nació en julio pasado en el zoológico de la ciudad de Ichikawa, en la periferia de Tokio, pero fue rechazado por su madre poco después de nacer. Desde entonces, el equipo del parque asumió su crianza y le proporcionó un peluche de orangután naranja que adoptó como figura de apego. Aunque suele verse aferrado a este juguete, el zoológico ha reiterado que no está aislado y que convive con una tropa de 56 macacos japoneses mientras aprende a socializar. La polémica reciente surgió por un video grabado la mañana del 19 de febrero, durante la hora de alimentación. En las imágenes, Punch intenta acercarse a otro mono bebé para interactuar, pero es evitado. Minutos después, un mono adulto lo regaña y lo arrastra, escena que muchos interpretaron como una agresión. En su comunicado del 20 de febrero, el zoológico explicó que el ejemplar adulto que intervino sería la madre del mono con el que Punch intentó comunicarse. Según detallaron, la hembra probablemente percibió que su cría estaba incómoda y reaccionó para reprender a Punch, en un comportamiento que describen como parte normal de la dinámica social de la especie. “ Punch ha sido regañado por otros monos muchas veces en el pasado ”, señalaron, aunque enfatizaron que ningún miembro de la tropa ha mostrado una agresión seria hacia él. Tras el incidente, Punch corrió a refugiarse con su peluche, pero más tarde lo dejó y volvió a interactuar con el grupo con normalidad. Los cuidadores reconocen que este tipo de episodios eran esperables en el proceso de integración, pero destacan la resiliencia del pequeño macaco. “Más que sentir lástima, queremos que apoyen su esfuerzo”, indicaron.
Las parejas amorosas tienen distintas formas de relacionarse y, constantemente, buscan nuevas técnicas y experiencias para satisfacer sus necesidades. En ese sentido, hay una práctica sexual que cada vez se ha vuelto más común entre parejas: el cucklod. Dicha práctica ocurre cuando una de las partes de la pareja disfruta ver a la otra manteniendo relaciones sexuales con otra persona. Una infidelidad consentida Milagros Burgos, psicóloga y sexóloga, a través de su cuenta de Instagram explicó que el fenómeno cada vez se ha vuelto más frecuente entre parejas. “ Es una práctica consensuada dentro de algunas parejas donde una persona siente excitación al ver o saber que su pareja tiene sexo con otra persona”, definió la experta. En esa misma línea, la especialista detalló que “a veces incluye componentes de voyeurismo, humillación erótica o poder, siempre consensuado”. Por otro lado, la experta definió el término “ bvll ”, el cual es corresponde a “la persona externa que tiene relaciones con uno/a de los miembros de la pareja. Suele ocupar un rol de dominancia simbólica dentro del juego”. Eso sí, la especialista advirtió que “estas dinámicas solo son sanas cuando hay consentimiento explícito de todas las partes, límites claros, comunicación previa, cuidado y responsabilidad”, cerró.
La perra que se llevó el galardón más codiciado del Westminster Kennel Club Dog Show fue Penny, una dóberman pinscher que brilló en la 150ma edición del evento, llevándose el premio al mejor del espectáculo el pasado martes. Con esta victoria, su manejador, Andy Linton, suma otra estrella a su carrera, después de haber ganado en 1989 con otro dóberman llamado Indy. Penny ha sido descrita por Linton como la mejor dóberman que jamás he visto, y a pesar de haber enfrentado problemas de salud, logró una actuación impecable en el ring. Tenía algunos objetivos, y este era uno de ellos, comentó Linton, quien expresó que ganar en este histórico evento es extraespecial a medida que se acerca al final de su carrera. El subcampeón de la noche fue un Chesapeake Bay retriever llamado Cota, quien recibió cálidos aplausos del público. Aunque los dóberman han sido galardonados cinco veces en la historia del Westminster, ningún retriever ha alcanzado la victoria, lo que convirtió el momento en uno memorable para los seguidores de Cota. Otros perros que alcanzaron la final incluyeron a una galgo afgano llamada Zaida, un lhasa apso llamado JJ, un maltés llamado Cookie, un viejo pastor inglés apodado Graham y un terrier fox de pelo liso llamado Wager. El juez, David Fitzpatrick, quien ha sido ganador del Westminster en dos ocasiones, calificó a la alineación de finalistas como una que pasará a la historia. En el evento, cada perro es evaluado en función de su conformidad al estándar de su raza. El ganador no solo recibe un trofeo y cintas, sino también el honor de ser el mejor del espectáculo. Penny, quien fue un favorito del público en el show de 2025, ha impresionado en los circuitos de exhibición desde entonces. La multitud de aficionados animó tanto a ella como a Linton durante las rondas preliminares del evento. Al final de la competencia, Penny mostró su carácter amistoso al empujar su nariz contra la pierna de un visitante en busca de caricias. Linton comentó que generalmente es muy tranquila, aunque puede volverse bastante entusiasta en ciertas situaciones. Su copropietario, Greg Chan, de Toronto, destacó que Penny es muy exigente e inteligente, pero también complaciente, dispuesta a hacer cualquier cosa por un premio comestible. Penny se alzó con la victoria entre 2.500 perros de más de 200 razas que participaron en el concurso. A pesar de que muchos no llegaron a la final, varios lograron robarse el show con momentos memorables. Un Xoloitzcuintli llamado Calaco, un perro sin pelo, impresionó al público, mientras que un vizsla llamado Beamer encantó a la audiencia saltando en una caja. El entusiasmo fue tal que un golden retriever llamado Oliver logró ahogar al anunciador con los vítores del público. Una perra que hizo historia en las semifinales fue Millie, una danés-sueco que recién se volvió elegible para competir en el Westminster este año. Millie superó a otros perros de su raza para llegar a la ronda final. Las victorias en Westminster suelen ir a perros con manejadores profesionales o propietarios con décadas de experiencia. Sin embargo, llegar a este exclusivo concurso es un gran logro para los debutantes, como Joseph Carrero, quien mostró su mastín napolitano, Dezi, en el evento. El martes, Carrero, operador de maquinaria pesada de Indian Springs, Nevada, comenzó a mostrar a Dezi, quien pesa 190 libras. Aunque el perro no avanzó más allá de la primera ronda, Carrero expresó que realmente es difícil para nosotros hacer esto, pero lo disfrutamos, y él lo disfruta. Finalmente, Ridenhour, quien competía con un Boerboel llamado Invictus, expresó su satisfacción al ver cómo el público se acercaba a acariciar a su perro, subrayando que, aunque no avanzaron, el amor y la atención que recibió su perro fueron la verdadera victoria. Esta historia fue traducida del inglés por un editor de AP con ayuda de una herramienta de inteligencia artificial generativa.
Habiendo enfrentado previamente temas clave de britpop, rock, northern soul y más entre sí, Steve Lamacq celebró algunos de los favoritos de la época disco de los años 70 en un enfrentamiento en la pista de baile en septiembre de 2017. Para hacer girar la bola de purpurina, el experto en música disco, el profesor Tim Lawrence, de la Universidad de East London y autor del libro sobre la historia de la música dance Love Saves the Day, nos ayudó a explorar seis formas en las que el género cambió el mundo. 1. Salvó el baile. Tim Lawrence afirma: La música disco fue uno de los movimientos culturales y musicales más influyentes de la década de 1970. Fue la plataforma a través de la cual el baile social volvió a ser un fenómeno popular tras su desaparición a finales de la década de 1960. La música disco repopularizó el baile como actividad social a nivel internacional, pero también fue responsable de la introducción de un nuevo estilo de baile libre. Antes de la música disco, todas las formas de baile social implicaban a un hombre y una mujer bailando juntos. A menudo, para entrar a los locales, era necesario llevar a alguien del sexo opuesto, e incluso si conseguías entrar sin él, para salir a la pista de baile era necesario estar en pareja. La música disco rompió con esto. Bailar disco fue la primera vez que la gente podía salir a la pista de baile individualmente, lo que permitió una nueva forma de libertad y expresión. Con las parejas bailando, hay que evitar bailar de puntillas o algo similar, para no poder concentrarse en el DJ. Sin embargo, la nueva forma de bailar disco también permitió a la gente experimentar la sensación de formar parte de una multitud por primera vez. Y este colectivo de la pista de baile ejerció un fuerte poder sobre la dirección que tomaba la música a través de sus reacciones. Este cambio tuvo grandes consecuencias no solo en lo que se escuchaba, sino también en cómo interactuaba la gente. 2. Provocó el auge del DJ. Tim Lawrence dice: En 1970, con una semana de diferencia, David Mancuso, en una fiesta privada que pronto se llamaría The Loft, y Francis Grasso, en la discoteca The Sanctuary, comenzaron a desarrollar esta nueva forma de lo que hoy llamamos DJing. Fue la primera vez que los DJs, de forma enfocada y concentrada, seleccionaron música en respuesta al público. Las técnicas de mezcla de DJ y el auge del DJ como una nueva forma de músico comenzaron principalmente en Nueva York en la década de 1970. Por ejemplo, en el Reino Unido, hasta finales de la década, ¡los DJ anunciaban los nombres de las canciones entre cada pista! Los DJ neoyorquinos sabían que los bailarines querían sumergirse en los discos gracias a la nueva forma de bailar con el público. Desarrollaron todas estas técnicas para mejorar esa experiencia. Comenzó con Grasso usando auriculares para escuchar el disco entrante y así poder mezclarlos y mantener un flujo continuo. Los DJ comenzaron entonces a explorar maneras de extender los discos, por ejemplo, comprando dos copias del mismo sencillo y mezclándolas. Diría que, considerando todas las técnicas de DJ que existen hoy en día, el 90 % se desarrolló durante la música disco de los 70. En muchos sentidos, las habilidades de los DJ de música disco superaban las de hoy. No solo creaban sesiones de diez horas con fuertes arcos musicales —viajes realmente inmersivos—, sino que combinaban el contenido lírico con las secciones instrumentales. Es un arte que rara vez escuchamos hoy en día. Los DJs eran los expertos orgánicos de esta cultura. Eran aficionados a la música que querían pinchar discos y apenas se ganaban la vida con ello. Carecían de formación y habilidades musicales convencionales, pero desarrollaron una sensibilidad muy refinada y receptiva a la cultura que contribuyeron a crear. 3. Inspiró la liberación social Tim Lawrence dice: De hecho, hasta 1971, era ilegal en la ciudad de Nueva York que dos hombres bailaran juntos, por lo que la nueva forma de bailar disco en grupo, en lugar de en parejas, tuvo un gran impacto en la escena gay neoyorquina. Sin embargo, la conexión es mucho más profunda. En 1970, en parte como respuesta a la liberación gay que se venía gestando en la década de 1960 y que alcanzó su clímax simbólico en junio de 1969 con la Rebelión de Stonewall, Seymour y Shelly —propietarios de varios locales gay en el West Village de Nueva York— compraron The Sanctuary, una discoteca en decadencia, y la reabrieron como un lugar que acogía a hombres gays. Nunca fue un club exclusivamente gay, pero dejaron claro que eran bienvenidos. Y este nuevo público cambió la dinámica de la pista de baile. De hecho, Francis Grasso [el DJ de The Sanctury] dijo que su nueva técnica de mezcla se inspiró en este nuevo público. La energía era tan alta que empezó a mezclar discos para que no hubiera interrupciones. Así, la música disco, con su libertad, se convirtió en una forma de expresión para la cultura gay. Sin embargo, el público era muy diverso en los primeros años, por lo que muchos otros grupos también encontraron su lugar en la música disco. Afroamericanos, latinoamericanos y mujeres —y una mezcla de todas estas identidades— encontraron una forma de expresarse en la música disco. Fueron las personas que en la vida cotidiana eran marginadas y sufrían discriminación quienes sustentaron la energía de la música disco. Por ejemplo, muchas de las artistas más influyentes fueron mujeres afroamericanas que desarrollaron una relación muy sólida con el público gay. Cantantes como Grace Jones, Gloria Gaynor, Donna Summer… y la lista continúa, tenían letras sobre la supervivencia ante las dificultades y la resiliencia emocional que resultaban profundamente atractivas para el público gay del dance. Así que la música disco es una fuerza verdaderamente liberadora, y yo diría que la reacción contra la música disco a finales de los 70 fue, de hecho, un intento de culpar a los hombres homosexuales, afroamericanos y mujeres por los fracasos de la década. Quienes lideraron esa reacción, aquellos en la cultura dominante, fueron los demócratas que se pasaron a votar por los republicanos y llevaron a Reagan al poder en los 80. 4. Demostró cómo los sellos independientes podían vencer a las grandes discográficas. Tim Lawrence dice: Para 1978, la música disco vendía más que el rock en Estados Unidos, lo cual fue un gran shock para el mundo musical, ya que apoyaba fuertemente el rock. Cuando la música disco se popularizó, no contaba con el respaldo de ninguna de las grandes corporaciones. Al principio, eran los DJ quienes buscaban discos para pinchar. Por lo tanto, los sellos discográficos independientes fueron cruciales para el desarrollo de la música disco. Un sello llamado Sceptre Records fue uno de los primeros en detectar lo que ocurría en las discotecas, por lo que empezó a encargar discos específicamente para el mercado disco. Otro sello independiente, Salsoul, se dio cuenta de que los bailarines querían tener sencillos de 12 pulgadas que grababan para DJs, así que en 1976 fue el primer sello en lanzar uno comercialmente, lo que se convirtió en una base fundamental para la cultura dance en general. Así que la música disco fue un gran momento para demostrar la agilidad de los indies y su capacidad de reaccionar rápidamente a la música callejera. Fue a finales de los 70 que Warners se convirtió en la primera gran disco en abrir un departamento, y eso fue solo unos meses antes de que comenzara la reacción negativa contra la música disco. 5. Inventó el remix Tim Lawrence dice: « Las remezclas no solo surgen de la música disco; también existía una cultura de remezclas en Jamaica», pero las remezclas cobran auge en Nueva York en los años 70, y de nuevo los indies tuvieron una gran influencia. En 1976, Salsoul encargó una remezcla de la canción «Ten Percent» de Double Exposure, lo que marcó un momento explosivo en la creación musical. La diferencia clave fue que invitaron a un DJ, Walter Gibbons, a remezclar el disco para la pista de baile. Esto resultó ser un escándalo y muchos productores se sintieron muy ofendidos. Hasta entonces, habían tenido el control de la creación musical y les molestaba mucho lo que los remezcladores hacían con su trabajo, sobre todo porque eran DJs sin formación en estudio y sin saber tocar instrumentos. Sin embargo, las discográficas comprendieron que los DJs estaban en una posición mucho mejor para hacer remezclas porque estaban en los clubes seleccionando música en respuesta a la energía del público que bailaba y podían ver qué los impulsaba a salir a la pista. Así que el remix, que ahora es omnipresente, cobró protagonismo gracias a la música disco. 6. En realidad sigue cambiando el mundo... Tim Lawrence dice: El problema de la música disco es que se convirtió en un producto deslucido debido a la intensa comercialización a finales de los 70, lo que significó que se asociara con el fracaso y el mal gusto de esa década. Mientras que la música disco y dance de principios de la década era musicalmente variada, innovadora y culturalmente progresista, la cultura dominante copió lo incorrecto. Abrieron muchas discotecas suburbanas y la película Fiebre del sábado noche fue un éxito rotundo, pero esa idea de la música disco no funciona. La música no es tan buena, es un regreso al baile en pareja, las luces intermitentes son exageradas y... y no se puede bailar con un traje de poliéster, diga lo que diga John Travolta. Así que hubo una reacción negativa contra esa versión de la música disco y, por desgracia, eso es lo que la gente recuerda ahora cuando piensa en ella. De hecho, lo mejor de la auténtica cultura disco sobrevive. La música disco contribuyó al desarrollo de la tecnología de sistemas de sonido, mezcladores, altavoces, iluminación... todo el equipo de discoteca, mientras que, en la grabación, impulsó el sintetizador a la vanguardia de la música popular. Así que la música disco sentó las bases de la cultura de la música dance contemporánea. Y una vez que se desató la reacción, la escena disco neoyorquina no perdió el ritmo, resurgió y, en cierto modo, se convirtió en la base de la música house. El house es, en muchos aspectos, una versión electrónica de la música disco auténtica. El nombre disco murió por su sobrecomercialización, pero casi todo lo demás sobrevivió.
