Habiendo enfrentado previamente temas clave de britpop, rock, northern soul y más entre sí, Steve Lamacq celebró algunos de los favoritos de la época disco de los años 70 en un enfrentamiento en la pista de baile en septiembre de 2017. Para hacer girar la bola de purpurina, el experto en música disco, el profesor Tim Lawrence, de la Universidad de East London y autor del libro sobre la historia de la música dance Love Saves the Day, nos ayudó a explorar seis formas en las que el género cambió el mundo. 1. Salvó el baile. Tim Lawrence afirma: La música disco fue uno de los movimientos culturales y musicales más influyentes de la década de 1970. Fue la plataforma a través de la cual el baile social volvió a ser un fenómeno popular tras su desaparición a finales de la década de 1960. La música disco repopularizó el baile como actividad social a nivel internacional, pero también fue responsable de la introducción de un nuevo estilo de baile libre. Antes de la música disco, todas las formas de baile social implicaban a un hombre y una mujer bailando juntos. A menudo, para entrar a los locales, era necesario llevar a alguien del sexo opuesto, e incluso si conseguías entrar sin él, para salir a la pista de baile era necesario estar en pareja. La música disco rompió con esto. Bailar disco fue la primera vez que la gente podía salir a la pista de baile individualmente, lo que permitió una nueva forma de libertad y expresión. Con las parejas bailando, hay que evitar bailar de puntillas o algo similar, para no poder concentrarse en el DJ. Sin embargo, la nueva forma de bailar disco también permitió a la gente experimentar la sensación de formar parte de una multitud por primera vez. Y este colectivo de la pista de baile ejerció un fuerte poder sobre la dirección que tomaba la música a través de sus reacciones. Este cambio tuvo grandes consecuencias no solo en lo que se escuchaba, sino también en cómo interactuaba la gente. 2. Provocó el auge del DJ. Tim Lawrence dice: En 1970, con una semana de diferencia, David Mancuso, en una fiesta privada que pronto se llamaría The Loft, y Francis Grasso, en la discoteca The Sanctuary, comenzaron a desarrollar esta nueva forma de lo que hoy llamamos DJing. Fue la primera vez que los DJs, de forma enfocada y concentrada, seleccionaron música en respuesta al público. Las técnicas de mezcla de DJ y el auge del DJ como una nueva forma de músico comenzaron principalmente en Nueva York en la década de 1970. Por ejemplo, en el Reino Unido, hasta finales de la década, ¡los DJ anunciaban los nombres de las canciones entre cada pista! Los DJ neoyorquinos sabían que los bailarines querían sumergirse en los discos gracias a la nueva forma de bailar con el público. Desarrollaron todas estas técnicas para mejorar esa experiencia. Comenzó con Grasso usando auriculares para escuchar el disco entrante y así poder mezclarlos y mantener un flujo continuo. Los DJ comenzaron entonces a explorar maneras de extender los discos, por ejemplo, comprando dos copias del mismo sencillo y mezclándolas. Diría que, considerando todas las técnicas de DJ que existen hoy en día, el 90 % se desarrolló durante la música disco de los 70. En muchos sentidos, las habilidades de los DJ de música disco superaban las de hoy. No solo creaban sesiones de diez horas con fuertes arcos musicales —viajes realmente inmersivos—, sino que combinaban el contenido lírico con las secciones instrumentales. Es un arte que rara vez escuchamos hoy en día. Los DJs eran los expertos orgánicos de esta cultura. Eran aficionados a la música que querían pinchar discos y apenas se ganaban la vida con ello. Carecían de formación y habilidades musicales convencionales, pero desarrollaron una sensibilidad muy refinada y receptiva a la cultura que contribuyeron a crear. 3. Inspiró la liberación social Tim Lawrence dice: De hecho, hasta 1971, era ilegal en la ciudad de Nueva York que dos hombres bailaran juntos, por lo que la nueva forma de bailar disco en grupo, en lugar de en parejas, tuvo un gran impacto en la escena gay neoyorquina. Sin embargo, la conexión es mucho más profunda. En 1970, en parte como respuesta a la liberación gay que se venía gestando en la década de 1960 y que alcanzó su clímax simbólico en junio de 1969 con la Rebelión de Stonewall, Seymour y Shelly —propietarios de varios locales gay en el West Village de Nueva York— compraron The Sanctuary, una discoteca en decadencia, y la reabrieron como un lugar que acogía a hombres gays. Nunca fue un club exclusivamente gay, pero dejaron claro que eran bienvenidos. Y este nuevo público cambió la dinámica de la pista de baile. De hecho, Francis Grasso [el DJ de The Sanctury] dijo que su nueva técnica de mezcla se inspiró en este nuevo público. La energía era tan alta que empezó a mezclar discos para que no hubiera interrupciones. Así, la música disco, con su libertad, se convirtió en una forma de expresión para la cultura gay. Sin embargo, el público era muy diverso en los primeros años, por lo que muchos otros grupos también encontraron su lugar en la música disco. Afroamericanos, latinoamericanos y mujeres —y una mezcla de todas estas identidades— encontraron una forma de expresarse en la música disco. Fueron las personas que en la vida cotidiana eran marginadas y sufrían discriminación quienes sustentaron la energía de la música disco. Por ejemplo, muchas de las artistas más influyentes fueron mujeres afroamericanas que desarrollaron una relación muy sólida con el público gay. Cantantes como Grace Jones, Gloria Gaynor, Donna Summer… y la lista continúa, tenían letras sobre la supervivencia ante las dificultades y la resiliencia emocional que resultaban profundamente atractivas para el público gay del dance. Así que la música disco es una fuerza verdaderamente liberadora, y yo diría que la reacción contra la música disco a finales de los 70 fue, de hecho, un intento de culpar a los hombres homosexuales, afroamericanos y mujeres por los fracasos de la década. Quienes lideraron esa reacción, aquellos en la cultura dominante, fueron los demócratas que se pasaron a votar por los republicanos y llevaron a Reagan al poder en los 80. 4. Demostró cómo los sellos independientes podían vencer a las grandes discográficas. Tim Lawrence dice: Para 1978, la música disco vendía más que el rock en Estados Unidos, lo cual fue un gran shock para el mundo musical, ya que apoyaba fuertemente el rock. Cuando la música disco se popularizó, no contaba con el respaldo de ninguna de las grandes corporaciones. Al principio, eran los DJ quienes buscaban discos para pinchar. Por lo tanto, los sellos discográficos independientes fueron cruciales para el desarrollo de la música disco. Un sello llamado Sceptre Records fue uno de los primeros en detectar lo que ocurría en las discotecas, por lo que empezó a encargar discos específicamente para el mercado disco. Otro sello independiente, Salsoul, se dio cuenta de que los bailarines querían tener sencillos de 12 pulgadas que grababan para DJs, así que en 1976 fue el primer sello en lanzar uno comercialmente, lo que se convirtió en una base fundamental para la cultura dance en general. Así que la música disco fue un gran momento para demostrar la agilidad de los indies y su capacidad de reaccionar rápidamente a la música callejera. Fue a finales de los 70 que Warners se convirtió en la primera gran disco en abrir un departamento, y eso fue solo unos meses antes de que comenzara la reacción negativa contra la música disco. 5. Inventó el remix Tim Lawrence dice: « Las remezclas no solo surgen de la música disco; también existía una cultura de remezclas en Jamaica», pero las remezclas cobran auge en Nueva York en los años 70, y de nuevo los indies tuvieron una gran influencia. En 1976, Salsoul encargó una remezcla de la canción «Ten Percent» de Double Exposure, lo que marcó un momento explosivo en la creación musical. La diferencia clave fue que invitaron a un DJ, Walter Gibbons, a remezclar el disco para la pista de baile. Esto resultó ser un escándalo y muchos productores se sintieron muy ofendidos. Hasta entonces, habían tenido el control de la creación musical y les molestaba mucho lo que los remezcladores hacían con su trabajo, sobre todo porque eran DJs sin formación en estudio y sin saber tocar instrumentos. Sin embargo, las discográficas comprendieron que los DJs estaban en una posición mucho mejor para hacer remezclas porque estaban en los clubes seleccionando música en respuesta a la energía del público que bailaba y podían ver qué los impulsaba a salir a la pista. Así que el remix, que ahora es omnipresente, cobró protagonismo gracias a la música disco. 6. En realidad sigue cambiando el mundo... Tim Lawrence dice: El problema de la música disco es que se convirtió en un producto deslucido debido a la intensa comercialización a finales de los 70, lo que significó que se asociara con el fracaso y el mal gusto de esa década. Mientras que la música disco y dance de principios de la década era musicalmente variada, innovadora y culturalmente progresista, la cultura dominante copió lo incorrecto. Abrieron muchas discotecas suburbanas y la película Fiebre del sábado noche fue un éxito rotundo, pero esa idea de la música disco no funciona. La música no es tan buena, es un regreso al baile en pareja, las luces intermitentes son exageradas y... y no se puede bailar con un traje de poliéster, diga lo que diga John Travolta. Así que hubo una reacción negativa contra esa versión de la música disco y, por desgracia, eso es lo que la gente recuerda ahora cuando piensa en ella. De hecho, lo mejor de la auténtica cultura disco sobrevive. La música disco contribuyó al desarrollo de la tecnología de sistemas de sonido, mezcladores, altavoces, iluminación... todo el equipo de discoteca, mientras que, en la grabación, impulsó el sintetizador a la vanguardia de la música popular. Así que la música disco sentó las bases de la cultura de la música dance contemporánea. Y una vez que se desató la reacción, la escena disco neoyorquina no perdió el ritmo, resurgió y, en cierto modo, se convirtió en la base de la música house. El house es, en muchos aspectos, una versión electrónica de la música disco auténtica. El nombre disco murió por su sobrecomercialización, pero casi todo lo demás sobrevivió.
Cuando un perro queda solo en el hogar, la falta de estímulos puede generar malestar. El silencio prolongado suele provocar ansiedad, estrés o aburrimiento, que muchas veces se traduce en ladridos constantes, destrozos o conductas repetitivas. En ese escenario, d ejar la radio encendida aparece como una alternativa sencilla para aliviar la situación. Si bien no reemplaza la presencia de una persona, el sonido continuo ayuda a crear un clima más familiar y a disminuir la sensación de aislamiento. Al ser animales sociales, los perros están habituados a convivir con ruidos, voces y movimiento. Cuando todo se apaga, pueden interpretar el silencio como una señal de alerta, lo que incrementa la ansiedad por separación y los vuelve más sensibles a cualquier sonido externo. Especialistas en conducta animal coinciden en que la radio puede cumplir un rol positivo al romper el silencio, simular presencia humana a través de las voces y amortiguar ruidos de la calle, como bocinas o timbres. De esta manera, el perro percibe un entorno más estable y previsible. Qué sonidos son los más adecuados Para que el efecto sea realmente calmante, se recomienda optar por programas hablados o música suave, mantener un volumen bajo o moderado y usar siempre la misma emisora, generando una rutina sonora que aporte tranquilidad. En qué situaciones resulta más útil Este recurso suele funcionar mejor en perros que pasan muchas horas solos, cachorros en etapa de adaptación o animales con ansiedad leve. En casos más complejos, puede servir como complemento, pero no reemplaza la consulta con un veterinario o un especialista en comportamiento. Radio o TV: cuál conviene La radio suele ser más efectiva que la televisión porque ofrece un sonido constante y predecible, sin imágenes ni ruidos bruscos. Además, las voces humanas ayudan a calmar al animal sin estimularlo en exceso ni generar falsas expectativas de compañía.
Los ochenta, o más bien su reinterpretación nostálgica y mercantilizable, están por todas partes. En la televisión (Stranger Things, Glow), los cines (It, Ready Player One), las librerías (The Time of My Life, Yo fui a EGB), los videojuegos (Crossing Souls, Octopath Traveler), la música (el uso de sintetizadores, la vuelta de los vinilos), las tiendas de ropa (las camisetas de grupos o marcas icónicas de esa época), las aplicaciones móviles (los filtros fotográficos que imitan la estética de las Polaroid y la textura de las cintas VHS) y, si vamos un poco más allá, hasta en la Casa Blanca. ¿No parece la era Trump un reboot hollywoodiense de la era Reagan? El fenómeno que se popularizó a raíz de la repercusión de la película Super 8 (J. J. Abrams, 2011) se extiende sin aparente fecha de caducidad. Esta idealización colectiva de tiempos pretéritos no es un fenómeno reciente. La Belle Époque (1871-1914) o los “felices años veinte” del siglo pasado fueron añorados en décadas posteriores. Los nacionalismos glorificaron el pasado de sus naciones. El arte y la cultura grecorromanos fueron recuperados durante el Renacimiento, el Clasicismo o el Neoclasicismo. Sin embargo, ¿ por qué ha tenido tanto éxito la recuperación de los ochenta? ¿Por qué no los setenta o los noventa? Hay distintas explicaciones al éxito actual de la estética y los productos culturales de los ochenta. Se han dado varias explicaciones. Una de ellas habla de que los niños de los años ochenta son los que ahora ocupan las esferas de poder y han sabido transformar en mercancía rentable la estética y los productos culturales de su infancia. Otra, que esos mismos niños son ahora consumidores de mediana edad proclives a dejarse arropar por la nostalgia como respuesta a un presente insatisfactorio. Una tercera explicación habla de una forma de resistencia fetichista, un intento de reivindicar, a través de los objetos de consumo, una época percibida como más sencilla, estable y auténtica. En este punto entraría la falsa nostalgia : jóvenes que nacieron a partir de los noventa y que se sienten fascinados por la estética y los objetos de un mundo que perciben como “pretecnológico”; una época reciente y, por tanto, muy reconocible, pero en la que no existían ni Internet ni los teléfonos móviles. Pero la explicación que más nos interesa es la histórica. Cuando evocamos los años ochenta, pensamos fundamentalmente en la forma de vida estadounidense. Una posible respuesta a por qué los años ochenta resultan tan atractivos es porque, entendidos como producto cultural, “se hicieron” precisamente para eso: para gustar. Cuando evocamos esa década, pensamos fundamentalmente en Estados Unidos. En la forma de vida y la ideología que transmitían sus películas, series, videoclips, anuncios... Un mundo compuesto principalmente por familias de clase media de origen anglosajón, prósperas, felices y optimistas. Hay que tener presente que cuando, en 1981, Ronald Reagan llegó al poder, puso en marcha el mayor programa de rearme desde la Segunda Guerra Mundial . Uno de sus proyectos estrella fue la Iniciativa de Defensa Estratégica, que incluía la construcción de un escudo antimisiles. El proyecto fue tan ambicioso que fue bautizado por la prensa con el nombre de un icono de la ciencia ficción de los ochenta: Star Wars. El presidente republicano impulsó también la bautizada como “doctrina Reagan”, una estrategia de política exterior destinada a combatir la influencia soviética en los países de Latinoamérica, África y Asia. En esta guerra ideológica, los productos culturales tuvieron un papel importante. Un organismo de la CIA desarrolló programas de propaganda cultural en la Guerra Fría. Como desveló Frances Stonor Saunders en La CIA y la guerra fría cultural (Debate, 2013), los servicios secretos estadounidenses invirtieron grandes recursos en desarrollar programas de propaganda cultural en la Guerra Fría. Entre 1950 y 1969, un organismo llamado Congreso por la Libertad de la Cultura actuó como tapadera de la Agencia Central de Inteligencia. Sus cometidos fueron promover actividades culturales que estuvieran en sintonía con los valores de las democracias capitalistas. Tras una década de “apaciguamiento”, el enfrentamiento con la Unión Soviética se recrudeció en los ochenta. El gobierno estadounidense retomó el discurso de la amenenaza soviética para justificar el incremento del gasto militar y alentar la propaganda anticomunista. Los “felices” ochenta ¿Cómo afectó este cambio de rumbo político a los productos culturales? Salvo en el caso de las películas que contenían un claro mensaje patriótico (Top Gun, Rambo, Elegidos para la gloria), a las que el Departamento de Defensa prestó apoyo logístico, material e, indirectamente, ideológico (el apoyo estaba condicionado a la defensa de los intereses nacionales), el gobierno estadounidense no intervino de manera directa en los productos de la industria del entretenimiento. Sin embargo, ese conservadurismo impregnó los discursos audiovisuales y narrativos de las ficciones que se produjeron en Estados Unidos. El concepto de blockbuster se consolidó en esta década. El cine de evasión de Hollywood, dirigido principalmente a los adolescentes, monopolizó prácticamente el mercado y se exportó con enorme éxito. Esto se debió también a los avances tecnológicos. Gracias a la implantación de la televisión en buena parte del mundo, la aparición de los reproductores de vídeo y la popularización de los videojuegos, los productos audiovisuales manufacturados por las compañías estadounidenses entraron en los hogares de medio mundo. Un niño o niña de los ochenta de un país capitalista podía vivir un simulacro del American way of life : desayunar cereales, ir al colegio con pantalones vaqueros escuchando pop americano en el walkman, comer una hamburguesa con queso en un restaurante de comida rápida... Tensión en el mundo real El consumo de estos productos creó un imaginario global que luego se transformaría en memoria sentimental. Entre 1983 y 1984, cuando está ambientada la serie Stranger Things, dos epidemias muy diferentes, el sida y el crack, hacían estragos en la sociedad estadounidense. La guerra entre Irán e Irak se hallaba en pleno apogeo. Reagan comenzó a hacer pruebas nucleares. No era un mundo pacífico y feliz. Sin embargo, el que nos llegaba desde Estados Unidos y hemos incorporado a nuestra memoria afectiva sí lo era. Y, a juzgar por el gran éxito de su evocación nostálgica, lo echamos mucho de menos.
Cuando las temperaturas suben, el cuerpo pide preparaciones livianas, hidratantes y fáciles de compartir. Las recetas frías aparecen entonces como aliadas naturales del verano, combinando frutas de estación, lácteos fermentados y preparaciones caseras que transforman cualquier momento en una pausa refrescante. El verano invita a vivir con menos apuro, a disfrutar de tardes largas, reuniones espontáneas y comidas que no requieran largas horas frente a la cocina. En ese contexto, las recetas frías se convierten en protagonistas: son prácticas, versátiles y permiten aprovechar ingredientes frescos sin perder sabor ni creatividad. Helados caseros, paletas de fruta, smoothies cremosos o postres fríos forman parte de una tendencia que privilegia lo simple y lo natural, ideal para compartir en familia o con amigos durante los días de calor. El rol de la conservación en la cocina de verano Para que estas preparaciones funcionen, la correcta c onservación de los alimentos es clave. Frutas, verduras y lácteos necesitan mantenerse frescos para asegurar sabor, textura y seguridad alimentaria. Las frutas y verduras de temporada son protagonistas indiscutidas del verano. Además de su sabor, aportan agua, vitaminas y minerales que ayudan a mantener el organismo liviano y bien hidratado. La sandía y el melón, con más de un 90% de contenido de agua, son ideales para consumir entre horas, como postre o incluso en preparaciones como sopas frías y ensaladas dulces. El pepino, fresco y crujiente, funciona perfecto en ensaladas, gazpachos o en agua saborizada con limón y menta. El tomate, por su parte, destaca por su versatilidad y su aporte de antioxidantes, siendo una base ideal para ensaladas, jugos o salsas frías. Lácteos fermentados y preparaciones ligeras El yogur y el kéfir también se posicionan como grandes aliados del verano. Su textura fresca, su fácil digestión y su aporte de probióticos los convierten en ingredientes ideales para smoothies, bowls fríos o postres rápidos, contribuyendo además al equilibrio de la microbiota intestinal. Combinados con frutas, semillas o un toque de miel, permiten crear preparaciones nutritivas y refrescantes en pocos minutos. Ideas simples para un verano helado Entre las opciones más populares para esta temporada destacan: Paletas de fruta natural, coloridas y fáciles de preparar. Smoothies fríos, ideales para comenzar el día o como pausa revitalizante. Helados caseros, perfectos para experimentar en familia. Postres fríos, pensados para cerrar almuerzos veraniegos con ligereza. Más que recetas complejas, se trata de dejarse llevar por combinaciones simples, aprovechando lo que ofrece la temporada y manteniendo siempre a mano ingredientes bien conservados.
Aires de Chile, el programa de televisión líder en promoción del turismo y la cultura chilena, anuncia el estreno de su nueva temporada de verano, consolidándose como una vitrina audiovisual dedicada a mostrar la riqueza y diversidad de Chile. Con un formato renovado de 30 minutos por capítulo, Aires de Chile, bajo la producción y conducción de Ramón Madrid y de Karina Fuentes, recorre distintas ciudades turísticas de Chile, destacando sus principales atractivos, historia, gastronomía, tradiciones y paisajes, conectando a la audiencia con la esencia de cada territorio. Esta nueva temporada está inspirada en potenciar a Chile como destino turístico, mostrando tanto localidades consolidadas como destinos emergentes, a través de un relato cercano y dinámico que integra entrevistas, cápsulas culturales, notas turísticas e incorpora lo mejor de la música chilena, potenciando el talento de artistas emergentes y consagrados. Un capítulo, una ciudad: Cada capítulo está dedicado a una ciudad o localidad turística, y se enfoca en un tema específico que te hará conocer la esencia de cada lugar. Algunos de los episodios incluyen: -Navidad en Navidad, un capítulo que explora la historia y las tradiciones del pueblo de Navidad en época de fiestas. - El Quisco, un balneario costero conocido por su gastronomía. - La historia y la cultura de Algarrobo, un pueblo de pescadores con un rico patrimonio cultural. - El Tabo, comuna turística que sorprende con sus hermosas playas y en lo cultural, destaca con las artesanías en telar del membrillo. Además el santuario de la naturaleza Laguna Peral, un lugar imperdible para este verano. - Un episodio que explora la relación entre la música y la ciudad de Viña del Mar y Valparaíso, dos ciudades que han sido cunas de importantes movimientos musicales en Chile Turismo, cultura y música en un solo espacio: Aires de Chile continúa consolidándose como un espacio que une turismo, cultura y música, promoviendo el patrimonio local y dando visibilidad a las comunidades, emprendedores y protagonistas de cada ciudad visitada. La nueva temporada de verano busca seguir fortaleciendo la imagen de Chile, tanto a nivel nacional como internacional, como un país diverso, auténtico y lleno de experiencias por descubrir. Reconocimiento Internacional: Esta temporada de Aires de Chile destaca por su premiación desde Canadá del premio INDAI, una organización no gubernamental integrada por artistas, gestores culturales. El premio INDAI se entrega cada año a personas ligadas al mundo del arte a nivel internacional. Detalles de la transmisión: - TVN señal internacional - Red Arcatel 30 canales Tv en el cable - UCV TV - TV + (ya salió el capítulo 1) - PLUSS TV - GDanse TV Canadá No te pierdas la oportunidad de descubrir Chile con Aires de Chile.
Habiendo enfrentado previamente temas clave de britpop, rock, northern soul y más entre sí, Steve Lamacq celebró algunos de los favoritos de la época disco de los años 70 en un enfrentamiento en la pista de baile en septiembre de 2017. Para hacer girar la bola de purpurina, el experto en música disco, el profesor Tim Lawrence, de la Universidad de East London y autor del libro sobre la historia de la música dance Love Saves the Day, nos ayudó a explorar seis formas en las que el género cambió el mundo. 1. Salvó el baile. Tim Lawrence afirma: La música disco fue uno de los movimientos culturales y musicales más influyentes de la década de 1970. Fue la plataforma a través de la cual el baile social volvió a ser un fenómeno popular tras su desaparición a finales de la década de 1960. La música disco repopularizó el baile como actividad social a nivel internacional, pero también fue responsable de la introducción de un nuevo estilo de baile libre. Antes de la música disco, todas las formas de baile social implicaban a un hombre y una mujer bailando juntos. A menudo, para entrar a los locales, era necesario llevar a alguien del sexo opuesto, e incluso si conseguías entrar sin él, para salir a la pista de baile era necesario estar en pareja. La música disco rompió con esto. Bailar disco fue la primera vez que la gente podía salir a la pista de baile individualmente, lo que permitió una nueva forma de libertad y expresión. Con las parejas bailando, hay que evitar bailar de puntillas o algo similar, para no poder concentrarse en el DJ. Sin embargo, la nueva forma de bailar disco también permitió a la gente experimentar la sensación de formar parte de una multitud por primera vez. Y este colectivo de la pista de baile ejerció un fuerte poder sobre la dirección que tomaba la música a través de sus reacciones. Este cambio tuvo grandes consecuencias no solo en lo que se escuchaba, sino también en cómo interactuaba la gente. 2. Provocó el auge del DJ. Tim Lawrence dice: En 1970, con una semana de diferencia, David Mancuso, en una fiesta privada que pronto se llamaría The Loft, y Francis Grasso, en la discoteca The Sanctuary, comenzaron a desarrollar esta nueva forma de lo que hoy llamamos DJing. Fue la primera vez que los DJs, de forma enfocada y concentrada, seleccionaron música en respuesta al público. Las técnicas de mezcla de DJ y el auge del DJ como una nueva forma de músico comenzaron principalmente en Nueva York en la década de 1970. Por ejemplo, en el Reino Unido, hasta finales de la década, ¡los DJ anunciaban los nombres de las canciones entre cada pista! Los DJ neoyorquinos sabían que los bailarines querían sumergirse en los discos gracias a la nueva forma de bailar con el público. Desarrollaron todas estas técnicas para mejorar esa experiencia. Comenzó con Grasso usando auriculares para escuchar el disco entrante y así poder mezclarlos y mantener un flujo continuo. Los DJ comenzaron entonces a explorar maneras de extender los discos, por ejemplo, comprando dos copias del mismo sencillo y mezclándolas. Diría que, considerando todas las técnicas de DJ que existen hoy en día, el 90 % se desarrolló durante la música disco de los 70. En muchos sentidos, las habilidades de los DJ de música disco superaban las de hoy. No solo creaban sesiones de diez horas con fuertes arcos musicales —viajes realmente inmersivos—, sino que combinaban el contenido lírico con las secciones instrumentales. Es un arte que rara vez escuchamos hoy en día. Los DJs eran los expertos orgánicos de esta cultura. Eran aficionados a la música que querían pinchar discos y apenas se ganaban la vida con ello. Carecían de formación y habilidades musicales convencionales, pero desarrollaron una sensibilidad muy refinada y receptiva a la cultura que contribuyeron a crear. 3. Inspiró la liberación social Tim Lawrence dice: De hecho, hasta 1971, era ilegal en la ciudad de Nueva York que dos hombres bailaran juntos, por lo que la nueva forma de bailar disco en grupo, en lugar de en parejas, tuvo un gran impacto en la escena gay neoyorquina. Sin embargo, la conexión es mucho más profunda. En 1970, en parte como respuesta a la liberación gay que se venía gestando en la década de 1960 y que alcanzó su clímax simbólico en junio de 1969 con la Rebelión de Stonewall, Seymour y Shelly —propietarios de varios locales gay en el West Village de Nueva York— compraron The Sanctuary, una discoteca en decadencia, y la reabrieron como un lugar que acogía a hombres gays. Nunca fue un club exclusivamente gay, pero dejaron claro que eran bienvenidos. Y este nuevo público cambió la dinámica de la pista de baile. De hecho, Francis Grasso [el DJ de The Sanctury] dijo que su nueva técnica de mezcla se inspiró en este nuevo público. La energía era tan alta que empezó a mezclar discos para que no hubiera interrupciones. Así, la música disco, con su libertad, se convirtió en una forma de expresión para la cultura gay. Sin embargo, el público era muy diverso en los primeros años, por lo que muchos otros grupos también encontraron su lugar en la música disco. Afroamericanos, latinoamericanos y mujeres —y una mezcla de todas estas identidades— encontraron una forma de expresarse en la música disco. Fueron las personas que en la vida cotidiana eran marginadas y sufrían discriminación quienes sustentaron la energía de la música disco. Por ejemplo, muchas de las artistas más influyentes fueron mujeres afroamericanas que desarrollaron una relación muy sólida con el público gay. Cantantes como Grace Jones, Gloria Gaynor, Donna Summer… y la lista continúa, tenían letras sobre la supervivencia ante las dificultades y la resiliencia emocional que resultaban profundamente atractivas para el público gay del dance. Así que la música disco es una fuerza verdaderamente liberadora, y yo diría que la reacción contra la música disco a finales de los 70 fue, de hecho, un intento de culpar a los hombres homosexuales, afroamericanos y mujeres por los fracasos de la década. Quienes lideraron esa reacción, aquellos en la cultura dominante, fueron los demócratas que se pasaron a votar por los republicanos y llevaron a Reagan al poder en los 80. 4. Demostró cómo los sellos independientes podían vencer a las grandes discográficas. Tim Lawrence dice: Para 1978, la música disco vendía más que el rock en Estados Unidos, lo cual fue un gran shock para el mundo musical, ya que apoyaba fuertemente el rock. Cuando la música disco se popularizó, no contaba con el respaldo de ninguna de las grandes corporaciones. Al principio, eran los DJ quienes buscaban discos para pinchar. Por lo tanto, los sellos discográficos independientes fueron cruciales para el desarrollo de la música disco. Un sello llamado Sceptre Records fue uno de los primeros en detectar lo que ocurría en las discotecas, por lo que empezó a encargar discos específicamente para el mercado disco. Otro sello independiente, Salsoul, se dio cuenta de que los bailarines querían tener sencillos de 12 pulgadas que grababan para DJs, así que en 1976 fue el primer sello en lanzar uno comercialmente, lo que se convirtió en una base fundamental para la cultura dance en general. Así que la música disco fue un gran momento para demostrar la agilidad de los indies y su capacidad de reaccionar rápidamente a la música callejera. Fue a finales de los 70 que Warners se convirtió en la primera gran disco en abrir un departamento, y eso fue solo unos meses antes de que comenzara la reacción negativa contra la música disco. 5. Inventó el remix Tim Lawrence dice: « Las remezclas no solo surgen de la música disco; también existía una cultura de remezclas en Jamaica», pero las remezclas cobran auge en Nueva York en los años 70, y de nuevo los indies tuvieron una gran influencia. En 1976, Salsoul encargó una remezcla de la canción «Ten Percent» de Double Exposure, lo que marcó un momento explosivo en la creación musical. La diferencia clave fue que invitaron a un DJ, Walter Gibbons, a remezclar el disco para la pista de baile. Esto resultó ser un escándalo y muchos productores se sintieron muy ofendidos. Hasta entonces, habían tenido el control de la creación musical y les molestaba mucho lo que los remezcladores hacían con su trabajo, sobre todo porque eran DJs sin formación en estudio y sin saber tocar instrumentos. Sin embargo, las discográficas comprendieron que los DJs estaban en una posición mucho mejor para hacer remezclas porque estaban en los clubes seleccionando música en respuesta a la energía del público que bailaba y podían ver qué los impulsaba a salir a la pista. Así que el remix, que ahora es omnipresente, cobró protagonismo gracias a la música disco. 6. En realidad sigue cambiando el mundo... Tim Lawrence dice: El problema de la música disco es que se convirtió en un producto deslucido debido a la intensa comercialización a finales de los 70, lo que significó que se asociara con el fracaso y el mal gusto de esa década. Mientras que la música disco y dance de principios de la década era musicalmente variada, innovadora y culturalmente progresista, la cultura dominante copió lo incorrecto. Abrieron muchas discotecas suburbanas y la película Fiebre del sábado noche fue un éxito rotundo, pero esa idea de la música disco no funciona. La música no es tan buena, es un regreso al baile en pareja, las luces intermitentes son exageradas y... y no se puede bailar con un traje de poliéster, diga lo que diga John Travolta. Así que hubo una reacción negativa contra esa versión de la música disco y, por desgracia, eso es lo que la gente recuerda ahora cuando piensa en ella. De hecho, lo mejor de la auténtica cultura disco sobrevive. La música disco contribuyó al desarrollo de la tecnología de sistemas de sonido, mezcladores, altavoces, iluminación... todo el equipo de discoteca, mientras que, en la grabación, impulsó el sintetizador a la vanguardia de la música popular. Así que la música disco sentó las bases de la cultura de la música dance contemporánea. Y una vez que se desató la reacción, la escena disco neoyorquina no perdió el ritmo, resurgió y, en cierto modo, se convirtió en la base de la música house. El house es, en muchos aspectos, una versión electrónica de la música disco auténtica. El nombre disco murió por su sobrecomercialización, pero casi todo lo demás sobrevivió.
Cuando un perro queda solo en el hogar, la falta de estímulos puede generar malestar. El silencio prolongado suele provocar ansiedad, estrés o aburrimiento, que muchas veces se traduce en ladridos constantes, destrozos o conductas repetitivas. En ese escenario, d ejar la radio encendida aparece como una alternativa sencilla para aliviar la situación. Si bien no reemplaza la presencia de una persona, el sonido continuo ayuda a crear un clima más familiar y a disminuir la sensación de aislamiento. Al ser animales sociales, los perros están habituados a convivir con ruidos, voces y movimiento. Cuando todo se apaga, pueden interpretar el silencio como una señal de alerta, lo que incrementa la ansiedad por separación y los vuelve más sensibles a cualquier sonido externo. Especialistas en conducta animal coinciden en que la radio puede cumplir un rol positivo al romper el silencio, simular presencia humana a través de las voces y amortiguar ruidos de la calle, como bocinas o timbres. De esta manera, el perro percibe un entorno más estable y previsible. Qué sonidos son los más adecuados Para que el efecto sea realmente calmante, se recomienda optar por programas hablados o música suave, mantener un volumen bajo o moderado y usar siempre la misma emisora, generando una rutina sonora que aporte tranquilidad. En qué situaciones resulta más útil Este recurso suele funcionar mejor en perros que pasan muchas horas solos, cachorros en etapa de adaptación o animales con ansiedad leve. En casos más complejos, puede servir como complemento, pero no reemplaza la consulta con un veterinario o un especialista en comportamiento. Radio o TV: cuál conviene La radio suele ser más efectiva que la televisión porque ofrece un sonido constante y predecible, sin imágenes ni ruidos bruscos. Además, las voces humanas ayudan a calmar al animal sin estimularlo en exceso ni generar falsas expectativas de compañía.
Los ochenta, o más bien su reinterpretación nostálgica y mercantilizable, están por todas partes. En la televisión (Stranger Things, Glow), los cines (It, Ready Player One), las librerías (The Time of My Life, Yo fui a EGB), los videojuegos (Crossing Souls, Octopath Traveler), la música (el uso de sintetizadores, la vuelta de los vinilos), las tiendas de ropa (las camisetas de grupos o marcas icónicas de esa época), las aplicaciones móviles (los filtros fotográficos que imitan la estética de las Polaroid y la textura de las cintas VHS) y, si vamos un poco más allá, hasta en la Casa Blanca. ¿No parece la era Trump un reboot hollywoodiense de la era Reagan? El fenómeno que se popularizó a raíz de la repercusión de la película Super 8 (J. J. Abrams, 2011) se extiende sin aparente fecha de caducidad. Esta idealización colectiva de tiempos pretéritos no es un fenómeno reciente. La Belle Époque (1871-1914) o los “felices años veinte” del siglo pasado fueron añorados en décadas posteriores. Los nacionalismos glorificaron el pasado de sus naciones. El arte y la cultura grecorromanos fueron recuperados durante el Renacimiento, el Clasicismo o el Neoclasicismo. Sin embargo, ¿ por qué ha tenido tanto éxito la recuperación de los ochenta? ¿Por qué no los setenta o los noventa? Hay distintas explicaciones al éxito actual de la estética y los productos culturales de los ochenta. Se han dado varias explicaciones. Una de ellas habla de que los niños de los años ochenta son los que ahora ocupan las esferas de poder y han sabido transformar en mercancía rentable la estética y los productos culturales de su infancia. Otra, que esos mismos niños son ahora consumidores de mediana edad proclives a dejarse arropar por la nostalgia como respuesta a un presente insatisfactorio. Una tercera explicación habla de una forma de resistencia fetichista, un intento de reivindicar, a través de los objetos de consumo, una época percibida como más sencilla, estable y auténtica. En este punto entraría la falsa nostalgia : jóvenes que nacieron a partir de los noventa y que se sienten fascinados por la estética y los objetos de un mundo que perciben como “pretecnológico”; una época reciente y, por tanto, muy reconocible, pero en la que no existían ni Internet ni los teléfonos móviles. Pero la explicación que más nos interesa es la histórica. Cuando evocamos los años ochenta, pensamos fundamentalmente en la forma de vida estadounidense. Una posible respuesta a por qué los años ochenta resultan tan atractivos es porque, entendidos como producto cultural, “se hicieron” precisamente para eso: para gustar. Cuando evocamos esa década, pensamos fundamentalmente en Estados Unidos. En la forma de vida y la ideología que transmitían sus películas, series, videoclips, anuncios... Un mundo compuesto principalmente por familias de clase media de origen anglosajón, prósperas, felices y optimistas. Hay que tener presente que cuando, en 1981, Ronald Reagan llegó al poder, puso en marcha el mayor programa de rearme desde la Segunda Guerra Mundial . Uno de sus proyectos estrella fue la Iniciativa de Defensa Estratégica, que incluía la construcción de un escudo antimisiles. El proyecto fue tan ambicioso que fue bautizado por la prensa con el nombre de un icono de la ciencia ficción de los ochenta: Star Wars. El presidente republicano impulsó también la bautizada como “doctrina Reagan”, una estrategia de política exterior destinada a combatir la influencia soviética en los países de Latinoamérica, África y Asia. En esta guerra ideológica, los productos culturales tuvieron un papel importante. Un organismo de la CIA desarrolló programas de propaganda cultural en la Guerra Fría. Como desveló Frances Stonor Saunders en La CIA y la guerra fría cultural (Debate, 2013), los servicios secretos estadounidenses invirtieron grandes recursos en desarrollar programas de propaganda cultural en la Guerra Fría. Entre 1950 y 1969, un organismo llamado Congreso por la Libertad de la Cultura actuó como tapadera de la Agencia Central de Inteligencia. Sus cometidos fueron promover actividades culturales que estuvieran en sintonía con los valores de las democracias capitalistas. Tras una década de “apaciguamiento”, el enfrentamiento con la Unión Soviética se recrudeció en los ochenta. El gobierno estadounidense retomó el discurso de la amenenaza soviética para justificar el incremento del gasto militar y alentar la propaganda anticomunista. Los “felices” ochenta ¿Cómo afectó este cambio de rumbo político a los productos culturales? Salvo en el caso de las películas que contenían un claro mensaje patriótico (Top Gun, Rambo, Elegidos para la gloria), a las que el Departamento de Defensa prestó apoyo logístico, material e, indirectamente, ideológico (el apoyo estaba condicionado a la defensa de los intereses nacionales), el gobierno estadounidense no intervino de manera directa en los productos de la industria del entretenimiento. Sin embargo, ese conservadurismo impregnó los discursos audiovisuales y narrativos de las ficciones que se produjeron en Estados Unidos. El concepto de blockbuster se consolidó en esta década. El cine de evasión de Hollywood, dirigido principalmente a los adolescentes, monopolizó prácticamente el mercado y se exportó con enorme éxito. Esto se debió también a los avances tecnológicos. Gracias a la implantación de la televisión en buena parte del mundo, la aparición de los reproductores de vídeo y la popularización de los videojuegos, los productos audiovisuales manufacturados por las compañías estadounidenses entraron en los hogares de medio mundo. Un niño o niña de los ochenta de un país capitalista podía vivir un simulacro del American way of life : desayunar cereales, ir al colegio con pantalones vaqueros escuchando pop americano en el walkman, comer una hamburguesa con queso en un restaurante de comida rápida... Tensión en el mundo real El consumo de estos productos creó un imaginario global que luego se transformaría en memoria sentimental. Entre 1983 y 1984, cuando está ambientada la serie Stranger Things, dos epidemias muy diferentes, el sida y el crack, hacían estragos en la sociedad estadounidense. La guerra entre Irán e Irak se hallaba en pleno apogeo. Reagan comenzó a hacer pruebas nucleares. No era un mundo pacífico y feliz. Sin embargo, el que nos llegaba desde Estados Unidos y hemos incorporado a nuestra memoria afectiva sí lo era. Y, a juzgar por el gran éxito de su evocación nostálgica, lo echamos mucho de menos.
Cuando las temperaturas suben, el cuerpo pide preparaciones livianas, hidratantes y fáciles de compartir. Las recetas frías aparecen entonces como aliadas naturales del verano, combinando frutas de estación, lácteos fermentados y preparaciones caseras que transforman cualquier momento en una pausa refrescante. El verano invita a vivir con menos apuro, a disfrutar de tardes largas, reuniones espontáneas y comidas que no requieran largas horas frente a la cocina. En ese contexto, las recetas frías se convierten en protagonistas: son prácticas, versátiles y permiten aprovechar ingredientes frescos sin perder sabor ni creatividad. Helados caseros, paletas de fruta, smoothies cremosos o postres fríos forman parte de una tendencia que privilegia lo simple y lo natural, ideal para compartir en familia o con amigos durante los días de calor. El rol de la conservación en la cocina de verano Para que estas preparaciones funcionen, la correcta c onservación de los alimentos es clave. Frutas, verduras y lácteos necesitan mantenerse frescos para asegurar sabor, textura y seguridad alimentaria. Las frutas y verduras de temporada son protagonistas indiscutidas del verano. Además de su sabor, aportan agua, vitaminas y minerales que ayudan a mantener el organismo liviano y bien hidratado. La sandía y el melón, con más de un 90% de contenido de agua, son ideales para consumir entre horas, como postre o incluso en preparaciones como sopas frías y ensaladas dulces. El pepino, fresco y crujiente, funciona perfecto en ensaladas, gazpachos o en agua saborizada con limón y menta. El tomate, por su parte, destaca por su versatilidad y su aporte de antioxidantes, siendo una base ideal para ensaladas, jugos o salsas frías. Lácteos fermentados y preparaciones ligeras El yogur y el kéfir también se posicionan como grandes aliados del verano. Su textura fresca, su fácil digestión y su aporte de probióticos los convierten en ingredientes ideales para smoothies, bowls fríos o postres rápidos, contribuyendo además al equilibrio de la microbiota intestinal. Combinados con frutas, semillas o un toque de miel, permiten crear preparaciones nutritivas y refrescantes en pocos minutos. Ideas simples para un verano helado Entre las opciones más populares para esta temporada destacan: Paletas de fruta natural, coloridas y fáciles de preparar. Smoothies fríos, ideales para comenzar el día o como pausa revitalizante. Helados caseros, perfectos para experimentar en familia. Postres fríos, pensados para cerrar almuerzos veraniegos con ligereza. Más que recetas complejas, se trata de dejarse llevar por combinaciones simples, aprovechando lo que ofrece la temporada y manteniendo siempre a mano ingredientes bien conservados.
Aires de Chile, el programa de televisión líder en promoción del turismo y la cultura chilena, anuncia el estreno de su nueva temporada de verano, consolidándose como una vitrina audiovisual dedicada a mostrar la riqueza y diversidad de Chile. Con un formato renovado de 30 minutos por capítulo, Aires de Chile, bajo la producción y conducción de Ramón Madrid y de Karina Fuentes, recorre distintas ciudades turísticas de Chile, destacando sus principales atractivos, historia, gastronomía, tradiciones y paisajes, conectando a la audiencia con la esencia de cada territorio. Esta nueva temporada está inspirada en potenciar a Chile como destino turístico, mostrando tanto localidades consolidadas como destinos emergentes, a través de un relato cercano y dinámico que integra entrevistas, cápsulas culturales, notas turísticas e incorpora lo mejor de la música chilena, potenciando el talento de artistas emergentes y consagrados. Un capítulo, una ciudad: Cada capítulo está dedicado a una ciudad o localidad turística, y se enfoca en un tema específico que te hará conocer la esencia de cada lugar. Algunos de los episodios incluyen: -Navidad en Navidad, un capítulo que explora la historia y las tradiciones del pueblo de Navidad en época de fiestas. - El Quisco, un balneario costero conocido por su gastronomía. - La historia y la cultura de Algarrobo, un pueblo de pescadores con un rico patrimonio cultural. - El Tabo, comuna turística que sorprende con sus hermosas playas y en lo cultural, destaca con las artesanías en telar del membrillo. Además el santuario de la naturaleza Laguna Peral, un lugar imperdible para este verano. - Un episodio que explora la relación entre la música y la ciudad de Viña del Mar y Valparaíso, dos ciudades que han sido cunas de importantes movimientos musicales en Chile Turismo, cultura y música en un solo espacio: Aires de Chile continúa consolidándose como un espacio que une turismo, cultura y música, promoviendo el patrimonio local y dando visibilidad a las comunidades, emprendedores y protagonistas de cada ciudad visitada. La nueva temporada de verano busca seguir fortaleciendo la imagen de Chile, tanto a nivel nacional como internacional, como un país diverso, auténtico y lleno de experiencias por descubrir. Reconocimiento Internacional: Esta temporada de Aires de Chile destaca por su premiación desde Canadá del premio INDAI, una organización no gubernamental integrada por artistas, gestores culturales. El premio INDAI se entrega cada año a personas ligadas al mundo del arte a nivel internacional. Detalles de la transmisión: - TVN señal internacional - Red Arcatel 30 canales Tv en el cable - UCV TV - TV + (ya salió el capítulo 1) - PLUSS TV - GDanse TV Canadá No te pierdas la oportunidad de descubrir Chile con Aires de Chile.
